Ilustração e saúde mental: o mito do artista deprimido

Última actualización 25 de Mayo del 2020

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Antonella Morelli

Ilustração e saúde mental: o mito do artista deprimido Ilustração e saúde mental: o mito do artista deprimido

A figura do artista deprimido deve morrer. Quando idealizamos a ideia de sofrer pela arte, quando aceitamos que o gênio criativo é algo que você precisa comprar com seu próprio bem-estar, ou quando vinculamos naturalmente o artista à doença mental, estamos falhando em proteger a comunidade. Hannah Gadsby faz uma crítica brilhante dessa figura em seu standup principal, “Nanette”. 

Nele, ela fala sobre Van Gogh, um homem a que se atribui “ter nascido antes do tempo" e, talvez, o representante mais famoso do "artista deprimido".

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Hannah Gadsby no meio de Nanette (Netflix, 2018)

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Por que se associa o artista à doença mental? Pessoas com o "temperamento artístico" costumam ter uma sensibilidade acentuada ao reconhecer emoções e navegar pelo trauma. Talvez isso os torne mais vulneráveis a distúrbios químicos que podem ser agravados por processos emocionais. Essa é uma suposição baseada na minha "experiência pessoal" e não nos dados.

Minha “experiência pessoal"

Eu tive vários surtos de depressão ao longo da minha vida. Longe de me ajudar a produzir meu trabalho mais autêntico, meu relacionamento com o desenho deteriorou-se até que, em minha crise mais profunda, desisti de minha carreira de ilustrador para me curar. Levei dois anos para tentar novamente algo que fazia naturalmente desde criança, e durante muito tempo o fiz com medo e ressentimento.

A insegurança insidiosa em seu trabalho é a norma geral, todos nós sofremos da "síndrome do impostor" e nossa relação com outros ilustradores se baseia em uma admiração cuja base é, francamente, a inveja. Estas coisas não são doença mental, mas são aliadas e amplificadores dela.

Em retrospecto, vejo que minha depressão estava diretamente relacionada às minhas crenças: a pressão irresponsável que eu punha sobre mim, as expectativas escapistas que eu tinha da minha carreira e, mais do que tudo, o fato de ter atingido a idade adulta sem aprender a separar meu trabalho da minha autoestima. Esta última lição foi a chave para reconstruir minha relação com a ilustração, uma jornada que gravei no meu curso"Ilustração para não ilustradores”. Em uma aula deste curso, falo sobre um magistral TEDtalk magistral de Elizabeth Gilbert onde ela expõe a ideia do gênio criativo, tese de seu livro "Big Magic".

O gênio criativo segundo Gilbert

Gilbert propõe que as ideias habitam o mundo como as plantas, os animais e os seres humanos. As ideias têm consciência e interagem conosco. Isso significa que nunca temos uma ideia, mas elas escolhem se apresentar para nós e também são capazes escapar de nós e ir para outra pessoa.

O brilhante dessa teoria é que, se não somos responsáveis pelas ideias que temos, a figura do artista se torna muito mais humilde — não somos gênios, mas pescadores, esperando que tenhamos uma boa ideia que queira trabalhar conosco. Sendo um processo estranho para nós, livramo-nos da pressão, e a atividade de criar adquire uma carga emocional muito mais leve.

A melhor maneira de atrair ideias é levar uma vida conduzida por curiosidade, abertura e estabilidade emocional.

Finalmente, Gilbert nos lembra que "gênio" é uma palavra que tem suas raízes em conceitos como "fada" ou "espírito da Natureza", e sua figura de ideias conscientes imita esta mitologia. É quando começamos a nos referir a nós mesmos, os pescadores, como "gênios", que começamos a nos valorizar pela qualidade de nosso trabalho.

A morte do mito

Criatividade é um soft skill valorizado em nosso mercado. Já não pertence aos "criativos" e muito menos aos artistas. Um CFO precisa de criatividade, um executivo de contas precisa de criatividade. A democratização da criatividade significa a morte desse mito. Ou pelo menos os primeiros passos para uma compreensão mais saudável de como o "temperamento artístico" funciona.

"Os artistas não criam o zeitgeist, apenas respondem a ele." A romantização de ser mal compreendido é uma visão tóxica. Como artistas, executivos ou ilustradores, devemos aspirar ser uma parte ativa da comunidade, ter estabilidade financeira, ser saudáveis e capazes de criar conexões saudáveis com os outros.

"Ninguém nasceu antes do seu tempo", diz Gadsby, referindo-se a Van Gogh. “Ele era um pintor pós-impressionista pintando no clímax da era pós-impressionista. Não conseguia socializar, emanava energia instável, as pessoas atravessavam a calçada para evitá-lo.” Sua reflexão desanimadora termina nos lembrando que podemos apreciar o trabalho comovente de Van Gogh não graças ao seu isolamento forçado, mas apesar dele. "Ele tinha um irmão que o amava e o apoiava", e graças a essa rede de estabilidade conseguiu pintar tanto quanto pintou.

Van Gogh pintou 12 obras com o título "Os girassóis", embora apenas 7 sejam reconhecidas como as mais icônicas.

Nós somos as histórias que contamos

O fato de termos mitificado a história deste homem como um mártir da criatividade torna sua tragédia desnecessariamente cruel. Mas depredar histórias é prática comum hoje em dia, especialmente na comunidade artística. Tendemos a explorar nosso trauma para produzir nosso trabalho "mais autêntico". Mas isto muda nossa história, ou seja, muda nosso crescimento como pessoas. Gadsby analisa esta ideia, expondo sua relação com a comédia, na qual ele também usa seu trauma para gerar humor com impacto empático.

As histórias precisam de três cenários: introdução, conflito e resolução. Piadas só precisam de duas: apresentação e punchline. No início de seu show, Gadsby nos contou uma história traumática de sua vida na forma de uma piada. Muitas pessoas diriam que é um mecanismo de adaptação válido, já que "o riso é o melhor remédio", mas ela nos apresenta esta conclusão trágica:

 

“Congelei uma experiência incrivelmente formativa no momento do trauma e a selei em piadas. Através da repetição, a versão cômica se fundiu com a memória real do que havia acontecido. Você aprende da parte da história em que se concentra.”

Pessoalmente, acredito na separação religiosa do “eu” com o trabalho. Como pessoas, somos responsáveis por nosso próprio bem-estar, e nossa responsabilidade é resolver nossos traumas ou aprender a conviver com eles. Uma doença mental que leva você ao sucesso no trabalho é uma doença mental que você não deseja curar, e também uma que acabará com você.

Como artistas ou apenas ilustradores, nosso dever para com a nossa comunidade é promover práticas mais saudáveis. Sejamos cuidadosos em nutrir nosso trabalho somente de traumas, vamos incluir também o terceiro cenário invisível de "resolução", que nessa metáfora representa a "aceitação e crescimento" de nossa psique. "Você aprende com a parte da história em que se concentra", diz Gadsby, e outras pessoas aprendem com você também.

Vamos representar o artista saudável, vamos fazer parte da morte desse mito. É, tragicamente, a única coisa que podemos fazer por aqueles que sofreram irreparavelmente por ele, como Van Gogh.

 

 

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