O que faz um diretor de fotografia? Analisamos 3 séries famosas

Última actualización 20 de Junio del 2020

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Italo Corvetto

O que faz um diretor de fotografia? Analisamos 3 séries famosas O que faz um diretor de fotografia? Analisamos 3 séries famosas

Entender um diretor de fotografia como alguém que manipula uma câmera de alta tecnologia para captar as cenas de uma produção audiovisual é cometer um erro. Para começar, estes projetos começam na grande maioria no papel, o que implica a necessidade de traduzir essa história para outro espaço: uma forma final de imagens em movimento.

A resposta para o que um diretor de fotografia faz é destinada à conquista ou sucesso dessa transformação, e também capturar as intenções do diretor. Neste sentido, o que é realmente importante nesta profissão é a subjetividade e a visão da pessoa responsável.

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Por sua vez, você poderia dizer que a verdadeira arma do diretor de fotografia é a luz. Santiago Mouriño, em seu curso de Introdução à Direção de Fotografia, menciona uma interpretação fundamental:

 

"Não se trata de adicionar luz ou iluminar, mas de transitar o espectro completo, da sombra para a luz, para poder representar e criar imagens poderosas que transmitam emoções e possam contar uma história".

Agora que a função deste ofício está um pouco mais clara, vamos analisar com a ajuda de Santiago 3 séries e a participação da fotografia em cada uma.

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Mr. Robot

Ver alguns segundos de Mr. Robot me gera uma sensação de estranheza. Esta série aborda um universo de hackers insurgentes. Os temas que percorrem sua história são muito reais. Por sua vez, tudo é apresentado diante de nossos olhos de uma maneira muito particular. Sem dúvida, isso tem a ver com o modo como os enquadramentos são trabalhados. Santiago coloca desta maneira:

“Você não pode falar sobre a fotografia de Mr. Robot sem falar sobre os enquadramentos. Acho que é a coisa mais particular que tem essa série e talvez seja isso que faz você sentir que está vendo algo estranho. Ela é projetada desde a fotografia para gerar esse efeito. Tudo o que é enquadrado usa a ferramenta para compor os personagens com ar negativo, em lugar dos enquadramentos que não se está acostumado a vê-los.” 

Além disso, Mouriño percebe uma intenção por trás da abordagem para os close-ups desenvolvidos na série:

“Cada personagem tem uma lente atribuída para seus close-ups. As diferentes parcelas se entrecruzam, há um jogo nisto, algumas lentes são trocadas. Seria necessário ver se uma metalinguagem não se desenvolve com o uso delas.”

É sem dúvida um detalhe muito interessante, mas há outro aspecto que vale a pena destacar para Santiago. Mr. Robot pretende criar um universo muito particular e, para isso, ele não se vale somente da fotografia; há todo um projeto de produção focado em gerar as sensações acima mencionadas e adicionar riqueza à trama. Mouriño aprecia como a fotografia desta série alcança um diálogo com todas as outras áreas, pois é preciso lembrar que é um trabalho coletivo.

Atlanta

A fotografia de Atlanta parece muito característica desta série. Talvez seja o grão da imagem, mas há algo que a torna muito reconhecível para mim. Isso não se destaca, de fato, quando penso nesta série, penso em detalhes que têm a ver com o script.

Mas há uma funcionalidade e sutileza na fotografia de Atlanta que é inestimável. Mouriño explica assim:

“O que acho mais interessante sobre a fotografia em Atlanta é que é supernaturalista, dentro do universo de realismo mágico que ela representa. Não é pretensiosa e não é algo hiperestilizado, como o Mr. Robot, por exemplo. Sem dúvida, não é uma série que visa fazer a fotografia brilhar por si mesma, o que nos faz perguntar: o que é uma boa fotografia, aquela que chama a atenção ou a que faz avançar o enredo de forma invisível?”

Há outro aspecto que vale a pena levar em consideração na fotografia de Atlanta, e essa é a cadência da da câmera. Santiago explica que, para ser um formato de televisão, onde as tramas dos episódios devem ser narradas em intervalos de 20 a 25 minutos, o ritmo do conjunto de câmeras é peculiarmente lento.

Isto segue a proposta naturalista que mencionamos acima: a série leva tempo para desenvolver o enredo organicamente ou para comunicar sutilmente aspectos da história. Um exemplo são os planos filmados com lentes telefoto desde longe, um espaço no qual vemos Earn como protagonista e onde a solidão desse personagem é destacada.

Better call Saul

Saul Goodman foi um dos personagens mais emblemáticos de Breaking Bad e, em Better Call Saul, assistimos à criação desse alter ego por Jimmy McGill, a verdadeira identidade do advogado corrupto. Ao contrário de sua predecessora, esta série não trata de quebrar os próprios parâmetros morais, mas de assumir uma natureza própria que não corresponde às expectativas dos outros, nem da família ou de pessoas próximas, e também se predispõe a lidar com as consequências disto.

McGill decide deixar todas essas expectativas para trás e é por isso que ele se torna Saul Goodman. Mas, ao mesmo tempo, fica claro que mais cedo ou mais tarde ele terá que assumir as consequências de sua escolha.

Isso pode ter a ver com a escolha de usar preto e branco nas passagens do tempo presente do personagem, onde o vemos assumindo uma identidade falsa para se proteger e fazendo um trabalho modesto. Sobre isso, Santiago Mouriño menciona:

 

“O uso de preto e branco para separar o tempo narrativo. Um tipo de confusão é gerada, porque o preto e o branco estão associados ao passado, mas logo percebemos que o que vemos pertence a um tempo posterior, inclusive aos eventos de Breaking Bad.”

Aqui, o preto e branco é usado para expressar um sentimento de desolação e incerteza. Serve não apenas para delimitar um horário diferente, mas também para um estado de ânimo mais sombrio

Analisar a fotografia das séries que vemos é um excelente exercício para entender as possibilidades desta profissão. Aplique-o nas suas séries favoritas e saiba mais sobre a direção de fotografia com o segundo curso no Crehana de Santiago Mouriño.

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